{"id":29738,"date":"2020-09-29T18:27:09","date_gmt":"2020-09-29T16:27:09","guid":{"rendered":"https:\/\/www.eolopress.it\/index\/?p=29738"},"modified":"2020-09-29T18:27:09","modified_gmt":"2020-09-29T16:27:09","slug":"il-2020-raccontato-attraverso-le-opere-presentate-da-art-basel","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.eolopress.it\/index\/2020\/09\/il-2020-raccontato-attraverso-le-opere-presentate-da-art-basel\/","title":{"rendered":"Il 2020 raccontato attraverso le opere presentate da “Art Basel”"},"content":{"rendered":"

\u00c8 possibile raccontare il 2020 attraverso le opere d’arte? Ci ha provato la redazione di Finestre sull’arte<\/em> selezionando 15 opere presentate nelle viewing room di Art Basel<\/strong><\/em><\/p>\n

Come si sa dal giugno scorso, Art Basel<\/strong>, la pi\u00f9 importante fiera d\u2019arte contemporanea del mondo, ha annullato l\u2019edizione 2020 per i timori relativi al contagio del Covid-19. Questo per\u00f2 non ha impedito all\u2019organizzazione diretta da Marc Spiegler<\/strong> (direttore della fiera) e Alban Fischer<\/strong> (direttore di Art Basel digitale) di andare online, e proprio in questo fine settimana la fiera ha lanciato il progetto OVR:2020<\/strong>, una serie di viewing room tematiche sulle opere create nel 2020: le 100 gallerie coinvolte hanno dunque portato nella Art Basel virtuale sei opere ciascuna, con un unico filo rosso, ovvero si tratta sempre di lavori prodotti quest\u2019anno. Ci sono artisti che hanno letto gli eventi dell\u2019attualit\u00e0, altri che invece hanno ripiegato su riflessioni intime, ci sono le ultime ricerche stilistiche e formali: una sorta di riassunto di come l\u2019arte ha cominciato questo nuovo decennio degli anni Duemila.
\nAbbiamo selezionato quindici opere, secondo noi piuttosto significative e capaci di condensare il 2020, qui dunque raccontato attraverso l\u2019arte contemporanea.<\/p>\n

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1. Lynn Hershman Leeson<\/strong>, Feeling Really Alone<\/em> (2020; acquerello e inchiostro su carta; 45,7 x 35,6 cm)
\nPresentato da: Altman Siegel. Costo: 35.000 $<\/p>\n

\u201cLa maschera \u00e8 sempre stata un modo per nascondere la propria vulnerabilit\u00e0. Oggi, le maschere sono interfacce che mutano attraverso la loro capacit\u00e0 di connettere, fondendo il passato col presente attraverso il loro utilizzo\u201d: cos\u00ec Lynn Hershman Leeson (Cleveland, 1941) si esprimeva nel 2014. La galleria Altman Siegel presenta nell\u2019edizione virtuale di Art Basel un solo show<\/em> dell\u2019artista americana che applica un \u201cfiltro 2020\u201d a un tema ricorrente nella sua arte, quello della donna mascherata. In questo caso, Hershman Leeson si concentra sugli sviluppi dell\u2019importanza sociale attribuita alle maschere, con la quale quest\u2019anno abbiamo tutti familiarizzato. E nello specifico di quest\u2019opera, il titolo \u00e8 di per s\u00e9 eloquente per spiegare la solitudine della donna mascherata e il suo sguardo carico di mestizia.<\/p>\n

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2. Ludovic Nkoth<\/strong>, 1pm in Montauk<\/em> (2020; acquerello su carta; 50,8 x 40,6 cm)
\nPresentato da: Fran\u00e7ois Ghebaly. Costo: 5.000 $<\/p>\n

Il giovanissimo Ludovic Nkoth (Camerun, 1994), nato in Africa ma cresciuto a New York dove si \u00e8 trasferito all\u2019et\u00e0 di tredici anni, \u00e8 il protagonista del solo show<\/em> di Fran\u00e7ois Ghebaly e porta nelle viewing room<\/em> di Art Basel ritratti di amici, parenti, personaggi di fantasia e di se stesso: l\u2019idea del ventiseienne Nkoth, in questa serie di opere, \u00e8 chiedersi che cosa sia la \u201ccasa\u201d, quali sensazioni evochino il concetto di casa, come si fa a sapere quando si \u00e8 trovata una casa. Le sue opere parlano quindi di ricerca, spostamento, felicit\u00e0 della scoperta, ma rievocano anche ricordi d\u2019infanzia, tradizioni, storie antiche raccontate dai vecchi.<\/p>\n

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3. Rirkrit Tiravanija<\/strong>, untitled 2020<\/em> (2020; installazione, tecnica mista)
\nPresentato da: neugerriemschneider. Costo: 100-250.000 $<\/p>\n

Il progetto untitled 2020 (morgen ist die frage)<\/em> di Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961) \u00e8 stato pensato appositamente per questa Art Basel virtuale. Punto di partenza \u00e8 una frase, \u201cTomorrow is the question\u201d (\u201cIl domani \u00e8 il problema\u201d) presa a prestito dall\u2019omonimo album del musicista jazz Ornette Coleman. Per questo progetto, Tiravanija ha stampato la frase, in nove lingue diverse (quelle dei paesi dove l\u2019artista ha vissuto e lavorato: amarico, inglese, francese, tedesco, italiano, giapponese, portoghese, spagnolo e tailandese), su una grande quantit\u00e0 di magliette. Il processo di stampa (le magliette sono state poi impilate a creare una scultura reminiscente del minimalismo di Donald Judd) \u00e8 stato continuamente ripreso in una diretta live, dove il pubblico poteva rivolgere domande, registrate da Tiravanija e riprodotte su una grande tela creata con giornali colmi di notizie relative a eventi sociali e politici nel mezzo della pandemia di Covid-19. L\u2019obiettivo, fa sapere Tiravanija, \u00e8 cercare di capire \u201cquale sia il problema, se il domani \u00e8 il problema\u201d.<\/p>\n

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4. Elisabeth Neud\u00f6rfl<\/strong>, Five<\/em> (2020; fotografia c-print, 51 x 76 cm)
\nPresentato da: Barbara Wien. Costo: meno di 10.000 $<\/p>\n

La fotografa tedesca Elisabeth Neud\u00f6rfl (Darmstadt, 1968) si \u00e8 recata a Hong Kong nel pieno dell\u2019epidemia di coronavirus (tra il 25 febbraio e il 5 marzo del 2020) per realizzare il progetto Five<\/em>, il cui titolo si riferisce ai cinque problemi fondamentali sollevati dal movimento di protesta contro il governo cinese. Nella settimana in cui Neud\u00f6rfl ha realizzato i 96 scatti che compongono il progetto, le strade di Hong Kong erano deserte a causa del lockdown<\/em> imposto dal governo, e nel frattempo le tracce lasciate dalla protesta (per esempio i graffiti) erano gi\u00e0 state ampiamente rimosse.<\/p>\n

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5. Alicja Kwade<\/strong>, MatterMotion<\/em> (2020; accaio laccato e pietro, 600 x 518,2 x 94,8 cm)
\nPresentato da: kamel mennour. Costo: 250-500.000 $<\/p>\n

MatterMotion<\/em> \u00e8 una scultura dell\u2019artista polacco-tedesca Alicja Kwade (Katowice, 1979) che intende riflettere sul tempo, sulla percezione e sulla ricerca scientifica. L\u2019opera, intrisa di poesia, \u00e8 costituita da una struttura in acciaio, ordinata e geometrica, che regge alcune pietre informi in equilibrio precario: ci si possono leggere i tentativi di ordinare il mondo, che rimane sempre per\u00f2 subordinato alle leggi dell\u2019universo e all\u2019incertezza, l\u2019esplorazione del dubbio, la possibilit\u00e0 di capire se ci siano modi alternativi di misurare i fenomeni naturali. Con le sue opere, Kwade vuole sottolineare il mistero e l\u2019assurdit\u00e0 della condizione umana al fine di stimolare le nostre capacit\u00e0 di riflessione su noi stessi.<\/p>\n

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6. Mitch Epstein<\/strong>, Robert E. Lee Memorial \/ Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginia, 2020<\/em> (2020; fotografia, stampa cromogenica, 147,3 x 114,3 cm)
\nPresentato da: Yancey Richardson Gallery. Costo: 25.000 $<\/p>\n

Il monumento a Robert E. Lee di Richmond, capitale della Virginia, \u00e8 diventato famoso in tutto il mondo durante le proteste del Black Lives Matter ed \u00e8 diventato il soggetto di innumerevoli foto, tra cui questa dello statunitense Mitch Epstein (Holyoke, 1952), che ha ritratto il monumento coperto dai graffiti e dai cartelli lasciati dalle persone che qui si sono riunite per manifestare e protestare ma anche per ricordare, pregare, studiare, e ballare, in un momento di partecipazione collettiva a un momento di notevole rilevanza storica. L\u2019opera fa parte di una serie intitolata Property Rights<\/em> nella quale Epstein indaga gli Stati Uniti intesi sia come luogo sia come idea: la narrazione si concentra dunque su alcuni aspetti come la cittadinanza, i diritti, le libert\u00e0 fondamentali, il rapporto col territorio.<\/p>\n

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7. Etal Adnan<\/strong>, Satellites 14<\/em> (2020; olio su tela, 22 x 33 cm)
\nPresentato da: Galerie Lelong & Co. Costo: 50-100.000 $<\/p>\n

La parigina Galerie Lelong & Co. si presenta alle viewing room<\/em> autunnali di Art Basel con un progetto intitolato Cosmic Dancer<\/em>, che prende il nome da una celebre canzone dei T. Rex di Marc Bolan: c\u2019\u00e8 una frase che dice \u201cthe fear that dwells inside a man \/ what\u2019s like to be alone\u201d (\u201cla paura che dimora nell\u2019essere umano \/ come \u00e8 essere soli\u201d). I lavori della piccola mostra si concentrano dunque sul binomio paura-ottimismo. Ed \u00e8 da leggere in questo senso anche il lavoro della grande poetessa e artista libanese Etel Adnan (Beirut, 1925), che all\u2019et\u00e0 di 95 anni non smette di produrre opere dense di lirismo. I suoi \u201csatelliti\u201d, nel suo tipico stile radioso e coloratissimo, creati nella casa di Parigi, rappresentano un soggetto nuovo della sua produzione, e rimandano a una dimensione di sogno, a ricordi di tempi andati, di quando l\u2019artista vedeva le luci delle stelle e della luna nel deserto mediorientale.<\/p>\n

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8. Ramiro Gomez<\/strong>, Two people walking in front of The Abbey, June 9th, 2020, 10:30<\/em> (2020; acrilico su tela, 30,5 x 22,9 cm)
\nPresentato da: P.P.O.W. Costo: 10.000 $<\/p>\n

\u201cHo sempre dipinto persone che dovrebbero essere al centro dell\u2019attenzione ma che prima non lo erano. E poi ho realizzato, con le mie ultime mostre, che avrei dovuto mostrare di pi\u00f9 la mia identit\u00e0. E questo complica le narrative che presento. Sono il figlio queer di immigrati messicani, e non dovrei evitare di dirlo per paura delle reazioni\u201d. Cos\u00ec il giovane artista californiano Ramiro Gomez (San Bernardino, 1986), protagonista del solo show<\/em> della galleria P.P.O.W. con opere sugli ambienti in cui lo stesso Gomez vive e che dunque raccontano la sua quotidianit\u00e0, in particolare quella dei lavoratori ispanici: collaboratrici domestici, netturbini, operatori sanitari. Uno spaccato della comunit\u00e0 messicana della California nei mesi della pandemia.<\/p>\n

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9. Sam Durant<\/strong>, Remember in November<\/em> (2020; insegna elettrica con testo in vinile, 193 x 241 x 20,3 cm)
\nPresentato da: Blum & Poe. Costo: 65.000 $<\/p>\n

L\u2019americano Sam Durant (Seattle, 1961) ha realizzato quest\u2019opera, Remember in November<\/em> (\u201cRicorda a novembre\u201d) come monumento al momento di forti divisioni che gli Stati Uniti stanno attraversando e che emergeranno ancora di pi\u00f9 quando si terranno le prossime elezioni presidenziali, che chiameranno gli statunitensi alle urne, appunto, nel novembre del 2020. Il lavoro fa parte di una serie di lightbox<\/em> che fondono questo mezzo, tipico delle insegne dei negozi e dei centri commerciali, col linguaggio dei cartelli di protesta (le scritte sono tutte realizzate a mano, con il lettering<\/em> tipico dei cartelloni), come simbolo del periodo di tensioni che stiamo attraversando.<\/p>\n

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10. Namsal Siedlecki<\/strong>, Deposizione VIII<\/em> (2020; cristalli di calcite, iuta, acciaio inox, 51 x 36 x 5 cm)
\nPresentato da: Magazzino. Costo: 9.000 $<\/p>\n

Quest\u2019opera dell\u2019artista statunitense, ma italiano d\u2019adozione, Namsal Siedlecki (Greenfield, 1986), che vive e lavora a Seggiano, nella Maremma grossetana, \u00e8 portata nelle viewing room<\/em> di Art Basel da una delle poche gallerie italiane presenti (la romana Magazzino) ed \u00e8 un interessante esempio delle complesse ricerche tecniche dell\u2019artista, uno dei pi\u00f9 promettenti del panorama internazionale. La serie, che s\u2019intitola Deposizione<\/em>, \u00e8 realizzata attraverso un processo di sedimentazione di materiale calcareo trovato nell\u2019acqua di una fontana di St. Nectaire, in Francia: Siedlecki fa accumulare il materiale lasciandolo sott\u2019acqua per un tempo che va dai quattro ai sei mesi, durante i quali la calcite subisce una trasformazione diventando una superficie cristallizzata e lucente. Il lungo processo necessario per la realizzazione dell\u2019opera, e che rimanda alle ricerche sul materiale di diversi artisti italiani a partire dagli anni Cinquanta (si pensi per esempio ad Alberto Burri), assume anche aspetti simbolici, attivando una riflessione sul tempo, sulla lentezza e sull\u2019azione degli elementi.<\/p>\n

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11. Mickalene Thomas<\/strong>, Jet Blue #14<\/em> (2020; fotografia a colori, frammenti di carta, strass e cristalli Swarovski su carta, 123,2 x 92,1 cm)
\nPresentato da: L\u00e9vy Gorvy. Venduto<\/p>\n

Il lavoro di Mickalene Thomas (Camden, 1971) esplora le identit\u00e0 della donna nera, rievocandone anche la storia. Quest\u2019opera, Jet Blue #14<\/em>, fa parte di una serie realizzata a partire da immagini di calendari di pin-up<\/em> degli anni Settanta, prodotti dalla rivista Jet<\/em>, e che gi\u00e0 allora cercavano di allontanarsi dai concetti eurocentrici di \u201cbellezza\u201d. In quest\u2019opera, Thomas ricontestualizza le donne di Jet<\/em> per donare alla modella un aspetto scultoreo che risulta dal mix di materiali di cui l\u2019immagine si compone e per attualizzare l\u2019immagine. \u201cHo sempre pensato a come, da donna di colore, sono cresciuta per diventare la donna che sono, e a come vedo me stessa negli altri\u201d, dice l\u2019artista.<\/p>\n

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12. Thomas Hirschhorn<\/strong>, Home (Chat-Poster)<\/em> (2020; cartone, legno, stampe, pennarello, adesivi, cristallo, 240 x 125 cm)
\nPresentato da: Galerie Chantal Crousel. Costo: 60.000 $<\/p>\n

Riflette sulla tecnologia lo svizzero Thomas Hirschhorn (Berna, 1957), immaginando una chat su Whatsapp con una delle figure prominenti del pensiero del Novecento, la scrittrice e filosofa Simone Weil. Un dialogo impossibile che prende forma grazie all\u2019arte e che grazie all\u2019arte travalica i tempi. \u201cSono stato colpito dalle sue posizioni, dal suo coraggio, dalla sua determinazione, dal suo impegno, dal suo stile (crudo, diretto, mistico, logico)\u201d, ha dichiarato l\u2019artista. \u201cAmo il fatto che sia stata una soldatessa, una guaritrice, una santa, una santa profana, un\u2019estremista, una pensatrice, una luce. La filosofia di Simone Weil \u00e8 veramente artistica, \u00e8 plastica, \u00e8 fisica, \u00e8 in movimento, \u00e8 una nuova forma. Lei ha agito come un\u2019attivista, nel suo lavoro e nella sua vita, e la sua capacit\u00e0 di essere assoluta, che io ammiro, dona bellezza al suo pensiero\u201d.<\/p>\n

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13. Mark Manders<\/strong>, Composition with Two-Colours<\/em> (2005-2020; legno dipinto e stampa su carta, 46,7 x 33,8 x 3,7 cm)
\nPresentato da: Zeno X Gallery. Costo: 18.000 $<\/p>\n

Questa composizione a due colori dell\u2019olandese Mark Manders (Volkel, 1968) \u00e8 l\u2019ultima di una serie cominciata quindici anni fa, Notional Newspapers<\/em>, creata a partire da giornali che contengono parole in inglese sistemate in ordine casuale. \u00c8 una riflessione sul linguaggio: il giornale contiene parole che potenzialmente sottendono infiniti significati, ma non ci sono parole per descrivere i colori adoperati per i due pannelli di legno. E di conseguenza i colori superano il linguaggio: in un\u2019epoca caratterizzata dagli scontri sulle identit\u00e0, Manders, nella viewing room<\/em> della fiamminga Zeno X Gallery, mostra invece opere che hanno cancellato qualsiasi riferimento a razza e genere, creando archetipi anzich\u00e9 personaggi o narrazioni.<\/p>\n

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14. Paul Anthony Smith<\/strong>, Untitled<\/em> (2020; picotage su stampa a inchiostro e vernice spray su tavola, 196,5 x 264,2 cm)
\nPresentato da: Jack Shainman Gallery. Costo: 50-100.000 $<\/p>\n

Il giovane Paul Anthony Smith (St. Ann\u2019s Bay, 1988) presenta ad Art Basel sei opere che nascono dalla sua esperienza di immigrato giamaicano negli Stati Uniti: ne conseguono opere che concentrano la loro attenzione sull\u2019identit\u00e0 culturale. La spiaggia fa parte dell\u2019identit\u00e0 culturale della Giamaica: \u201cpoich\u00e9 provengo dai Caraibi\u201d, dice l\u2019artista, \u201cpenso spesso alla spiaggia: il profumo dell\u2019acqua salata, il sole caldo, le palme, trascorrere momenti di tranquillit\u00e0 sulla sabbia, gli stabilimenti balneari, contemplare quello che potrebbe essere il proprio spazio personale\u201d. Quest\u2019opera parla di libert\u00e0: quella di cui le persone godono quando stanno sulla spiaggia.<\/p>\n

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15. Sophie von Hellermann<\/strong>, Fairy Dance<\/em> (2020; acrilico su tela, 140 x 160 cm)
\nPresentato da: Pilar Corrias. Costo: 10-25.000 $<\/p>\n

La tedesca Sophie von Hellermann (Monaco di Baviera, 1975) ha creato quest\u2019opera durante il lockdown<\/em>, che ha trascorso in Inghilterra, in campagna. \u00c8 una danza di fate, tratta dall\u2019immaginario shakesperiano del Sogno di una notte di mezza estate<\/em>: i dipinti di Sophie von Hellermann includono spesso immagini e personaggi che nascono dalla sua immaginazione. Immaginazione che, quest\u2019anno, assume una valenza particolare: l\u2019artista ha dichiarato di aver percepito l\u2019urgenza di dipingere una scena simile in un periodo di malattia globale e di isolamento, di incertezza e di morte. Uno scenario contro il quale opporre la gioia della primavera e dell\u2019estate, con una danza che nasce da un sogno.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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